À l’occasion de la 16e Biennale de Dakar et de la 15e édition du Partcours, OH Gallery déploie une programmation consacrée aux héritages artistiques africains et aux formes contemporaines de création. Jusqu’au 6 février 2027, la galerie installée dans le quartier du Plateau accueille notamment deux expositions dédiées aux artistes Amina Benbouchta et Abdoulaye Ndoye, tout en inaugurant un espace consacré à la mémoire et aux filiations de l’art sénégalais.

Présente dans le paysage culturel dakarois depuis 2018, OH Gallery entend participer à la valorisation d’artistes et de parcours parfois peu représentés dans les grands récits de l’histoire de l’art africain. Cette ambition s’est notamment concrétisée en 2026 avec la création de OH Institute, une structure à but non lucratif dont les activités portent sur la conservation des archives et la production de connaissances autour des pratiques artistiques du continent.

L’artiste marocaine Amina Benbouchta occupe l’espace principal avec « Like any others », sa deuxième exposition personnelle dans la capitale sénégalaise. À travers un ensemble d’œuvres mêlant peinture, sculpture, textile et installations olfactives, elle développe une réflexion autour de la notion de seuil, envisagée comme un espace de transition, de séparation et d’expérience personnelle.

Structuré en trois séquences — Immersion, Seuil et Contemplation — le parcours aborde notamment les questions liées à la condition féminine et aux normes sociales qui encadrent le corps des femmes. L’artiste détourne certains objets symboliques, tels que la crinoline et les chaussures à talons hauts, pour interroger les rapports de domination et les mécanismes de contrôle exercés sur les corps.

L’exposition fait également écho aux relations historiques et culturelles entre le Maroc et le Sénégal. Une tapisserie conçue avec la participation de brodeuses des deux pays illustre cette volonté de rapprocher les savoir-faire et les héritages artistiques au-delà des frontières géographiques.

Dans la Project Room, OH Gallery consacre une exposition intitulée « Épisode » à Abdoulaye Ndoye. Né à Dakar en 1951, cet artiste multidisciplinaire développe depuis plusieurs décennies une démarche singulière autour de l’écriture, du signe et de leur transformation plastique. Formé notamment à l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles, il a élaboré un procédé qu’il désigne sous le nom de « tremblement ».

À travers cette technique, les signes d’écriture deviennent des compositions graphiques et des arabesques qui prennent forme sur des parchemins et des supports en papier fabriqués par l’artiste. Son travail explore ainsi les frontières entre langage, abstraction et expression visuelle.

La programmation de la galerie s’étend également à la préservation du patrimoine artistique sénégalais avec l’ouverture d’un showroom privé baptisé « Ce qui demeure, modernités sénégalaises, filiations et héritages ». Accessible sur rendez-vous, cet espace rassemble des œuvres historiques et contemporaines, notamment de Seyni Awa Camara, Soly Cissé et Viyé Diba. Il ambitionne de mettre en évidence les continuités entre les générations d’artistes, de documenter les héritages et de favoriser la circulation des œuvres sur le marché secondaire.

Un autre espace, baptisé « Le Store », vient compléter le dispositif avec une sélection d’esquisses, de petites peintures et de publications consacrées aux arts du continent africain.

OH Gallery sera également représentée dans l’exposition internationale de la 16e Biennale de Dakar, organisée autour du thème « (Anti)fragilité ». Deux artistes accompagnés par la galerie, le Sénégalais Aliou Diack et l’Égyptienne Souad Abdelrasoul, ont été retenus pour participer à cette exposition présentée à l’Ancien Palais de Justice.

À Rabat, les murs de la ville se métamorphosent en véritables œuvres d’art à ciel ouvert. À l’occasion du Jidar Rabat Street Art Festival, des artistes venus du monde entier investissent l’espace urbain pour en faire une galerie accessible à tous.

Une ville transformée par la créativité

Pour cette 11e édition, une quinzaine de fresques monumentales ont été réalisées à travers différents quartiers, donnant naissance à un parcours artistique unique. Les œuvres oscillent entre imaginaire et réalité : oiseaux géants, portraits énigmatiques, scènes inspirées de la nature africaine ou encore représentations du quotidien marocain. Parmi les artistes invités figure Oscar Medina, dont le travail s’articule autour du voyage et de la nature :

« L’idée générale est de parler du voyage, de la nature et des éléments qui nous façonnent en tant qu’êtres humains. »

Une diversité d’influences africaines et internationales

Autre signature marquante, celle de Keya Tama, qui a choisi de représenter un lion majestueux au cœur d’une fresque végétale. Une œuvre qui symbolise à la fois la puissance et l’identité du continent africain.Pour lui, le street art africain est en pleine émergence :

« Ce qui est fort, c’est l’amour de l’art et la sincérité qui nourrissent ce mouvement. »

Un levier de structuration artistique

Au-delà de l’aspect visuel, le Jidar Rabat Street Art Festival joue un rôle structurant dans l’écosystème artistique local. Selon Salaheddine Malouli, il a contribué à faire émerger une véritable communauté d’artistes urbains au Maroc.

« Au début, il n’y avait pas vraiment de communauté d’art de rue. Aujourd’hui, elle existe et influence la perception de cet art dans la société. »

Rabat, galerie à ciel ouvert

Avec ces fresques réparties dans toute la ville, Rabat confirme son positionnement comme un pôle culturel dynamique. L’espace public devient un lieu d’expression, de dialogue et de rencontre entre cultures. Plus qu’un simple festival, JIDAR s’impose comme un moteur de transformation urbaine, où l’art redessine les contours de la ville et rapproche les citoyens de la création contemporaine.

Le dimanche 17 août 2025, au théâtre de l’Hôtel Ivoire, à Abidjan, se jouait la pièce de Yann Aka : “Les mères de l’indépendance/La marche des femmes sur Grand-Bassam”. Mais avant que le rideau ne s’ouvre, c’est la compagnie Djôlocro, une troupe exclusivement féminine, qui a eu l’immense honneur de faire patienter le public.

Une entrée aux allures d’une déclaration de guerre
Soudain, Zokou, une femme-mâle, surgit de l’ombre. Elle a la voix rauque et la poitrine bombée. Son cri, un hurlement effroyable, déchire le silence comme un chat qu’on recrache après l’avoir trop longtemps gardé en travers de la gorge. Dans une langue locale, elle appelle les siens comme cela se faisait autrefois avec les tambours. Les guerriers (ou les amazones) des villages alentours se sortent et se ressemblent comme un seul homme (pourquoi pas une seule femme !) autour d’une cause commune. Comme nous avons affaire à des femmes ici, appelons-les les amazones. Donc, à cet appel, les amazones répondent. Et de quelles manières ? À travers des pas de danses. Leurs corps se tendent, elles frappent les poings et donnent de la voix. Plus qu’une performance, c’est une forme de haka, cette danse de combat exécutée lors de rituels.

Djôlocro, le visage de bonheur
Créée en décembre 2018, la compagnie Djôlocro est composée de six performeuses africaines. Cette sextette de femmes veut montrer, par leur musique, le riche patrimoine culturel de la Côte d’Ivoire. Grâce à un mélange entre la tradition et la modernité, ces performeuses mettent en lumière, à travers la danse et la musique, notre identité africaine. La toute première création de compagnie dénommée “la cour royale” voit le jour en 2019. Et puis, en 2020, la troupe forme des enfants de 5 à 15 ans. Il faut attendre 2023 pour assister à la deuxième création de la troupe : “Souffle”.

Le chant et la danse comme armes
Dans cette lutte métaphorique, les guerrières titubent, tombent, mais finissent toujours par se relever. Et puis, il y a les coupures de lumière qui traduisent une nuit sans lune et aussi les accélérations de rythme qui rappellent les jours qui ne veulent pas finir. Leurs chants disent la douleur, mais pas que ça. Ils disent aussi l’espérance. Leurs tambours, les “dunumbas” battent la marche comme jadis les djeli galvanisaient les combattants. C’est alors, Djôlocro bondit comme des lionnes et elles se jettent sur l’adversaire. Face à l’ennemi – invisible, mais bien présent –, celui qui tente de réduire la femme à l’état de captive, elles opposent la force d’un corps collectif. La victoire, ici, va au-delà d’un simple effet de mise en scène. En effet, elle est vécue, incarnée, transmise au public. Les spectateurs applaudissent ce théâtre chorégraphique qui raconte une histoire assez particulière.

Djôlocro, passeuse de mémoire
Littéralement Djôlocro signifie “le visage du bonheur”. Un nom qui lui va comme un gant. En effet, la mission de la troupe est claire : faire rayonner le patrimoine culturel ivoirien, redonner à la femme toute sa puissance symbolique et peindre les réalités contemporaines avec la palette des traditions. Bref, cette troupe est dans la transmission. On peut dire que le pari a été tenu. Car dans la nuit du 17 août 2025, à l’Hôtel Ivoire, la compagnie Djôlocro a rappelé qu’une indépendance – politique, culturelle, féminine – n’est jamais acquise. Elle se rejoue à chaque génération. Il faut, en effet, mettre du respect sur le nom de Djôlocro. Des bêtes de scène, oui. Mais surtout, des passeuses de mémoire.